Существуют разные точки зрения на то, как следует рассказывать истории об истории. Каждый из творцов избирает свой подход к воссозданию исторических личностей и их реалий. Но остается вопрос: насколько созвучны подобные авторские построения духу нашего времени?
Мое внимание привлекло два хороших фильма, связанных с историей — «Мария Антуанетта» и «Капитан Алатристе».
Первый сняла известная голливудская режиссер София Кополла, а второй — испанец Агустин Диас-Янес.
«Марию Антуанетту» освистали на прошлом Каннском кинофестивале по причине неприятия авторской позиции.
Действительно, этот фильм о девушке королевской крови, которая вынуждена выполнять возложенные на нее обязательства по продолжению рода королей. Она выросла в достатке. Имеет отличное воспитание. Обладает развитым вкусом и воображением. Героиня самостоятельно пробует создать вокруг себя мир красоты и гармонии. К сожалению, красота дорого стоит. Бриллианты, наряды, кулинарные изыски, постановка пьес требуют финансирования, а бюджет Франции подорван абсолютизмом. Где-то за кадром люди голодают, а милая молодая женщина просто живет в свое удовольствие. Что тут такого? София пробует заглянуть во внутренний мир героини и не судить ее, а полюбоваться естественной женской природой. Мне кажется, это режиссеру удалось. Она сотворила светлый, оптимистичный, сластолюбивый образ Марии Антуанетты. И стоило ли убивать эту женщину за то, что она была эпикурейкой, гедонисткой, эстеткой и хорошей матерью? В любом случае кровавая французская революция остается на совести французского народа. А мы имеем сейчас возможность понять без ненависти и зависти ценности маленькой королевы, которую под белы рученьки возвели на эшафот и сделали черное дело.
«Капитан Алатрасте» снят по циклу романов Артуро Переса-Реверте. Это мрачная, кровавая история о воине и испанском милитаризме. Честно сказать — терпеть не могу любой милитаризм. Он всегда замешан на шовинизме, культе силы и особой миссии. Не смотря на то, что фильм снят хорошо, правдиво он производит впечатление пропагандистского ролика на тему «Какими крутыми мы были!!!» и «Да здравствует Великая Испания!»
Странно наблюдать проявления такого дремучего традиционализма. По всей видимости народ Испании в лице интеллигенции еще не до конца состоялся как современный субъект и продолжает грезит идиотскими имперскими проектами.
В этой связи, конечно, София Кополла выглядит ярко и вполне в духе нашего времени.

Поглощать любой медиоконтент в немерянных количествах — это естественное предназначение человека постмодерна. В нем (человеке) все менше жизни, но представление о ней — все красочней и безнадежнее.
Сейчас искусство приходит на смену жизни и становится абсолютно самодостаточным. Отдельные его творения, такие как фильмы «Страна приливов» и «Маленькая мисс Счастье» вызывают настоящее восхищение.
Любой мыслящий постмодернист, интеллектуально и эстетно покайфовав во время просмотра, увидит за ними целое явление, которое, возможно, задаст новый тренд в развитии измочаленной блокбастерами киноиндустии.
В общем, для того, чтобы создать современное классное кино необходимо:
1) девочка — главная героиня. Она, как образец еще не отвергаемого «иного» вызывает любовь и сочувствие КАЖДОГО зрителя (взрослая женщина уже не интересна, поскольку она состоялась и срослась с этим «иным» до смерти);
2) не вполне нормальные родственники героини — неудачники по сути и по форме существования. Желательны всяческие маргиналы в виде алкоголиков, наркоманов, но подойдут несостоявшиеся бизнес-тренеры и работающие по найму недопрофессионалки;
3) полная концентрация на внутреннем мире девочки. Естественно, он сложен и прекрасен. В нем нет границ между вымыслом и действительностью, между желаниями и возможностями, между истинным и ложным. Он синтетичен, непрерываем и тонкочувственен. Юная леди становится СТЕРЖНЕМ мира, ставя под сомнение потенции фаллоцентризма;
4) создавать ситуации, в которых девочка любит несостоятельных мужчин, типа брата-идеалиста, отца-наркомана-неудачника, старого гиперсексуального дедушку, юношу-эпилептика. ТОЛЬКО НЕСОСТОЯТЕЛЬНОСТЬ МУЖЧИН ДЕЛАЕТ ИХ ЧЕЛОВЕЧНЫМИ И ОТКРЫТЫМИ ДЛЯ ДИАЛОГА С МИРОМ. Их мужественность рождается заново, когда они проникаются разумением «иного» и идут на подвиг-самопожертвование ради любимых, чувствуя при этом свое полное ничтожество.

Это хорошо, что есть хорошее кино, которое, возможно, меняет мир…

Что-то в американском синематографе творится неладное. Складывается такое впечатление, что Голливуд пал жертвой войны за сюжет. Его Величество Сюжет нынче правит миром. При этом Золотым правилом грамотно построенного сюжета есть полная непредвиденность каждого последующего разворота. Что б не быть голословной приведу парочку примеров. Возьмем, скажем «Отступников» Скорсезе. Как всегда у маэстро Скорсезе, практически до конца фильма сюжет развивается вяло и вследствие этого некие детали затмевают повествование. Вдруг, где-то в районе развязки, одного из главных героев тупо и мгновенно убивают практически из-за угла. Это позволяет на третьем (а может четвертом) часу фильма его практически закончить (иначе он бы длился вечность). Должна признать весьма хитрый сюжетный ход, но неприятный осадок от недоделанности конца картины остается…
Или, вот, поговорим о «Близости», в которой снялся квартет знаменитостей — Джулия Робетсон, Натали Портмен, Джуд Лоу и Клав Оуен. Должна признать — отличный фильм, жизненный, если бы не одно но… В конце выясняется, что главная героиня — образец честности и открытости, на которой держится правда мира оказывается обычной лгуньей. Как говорится, вот и верь после этого людям…
Естественно, в этой связи, стоит вспомнить еще и «16 кварталов» с Брюсом Уиллисом. Этот недостаточно многогранный актер, на этот раз сыграл бедного, несчастного, убитого жизнью полицейского, который по воле небес защитил случайного свидетеля преступления от преследования своих товарищей. Он весь фильм рискует своей жизнью, защищая незнакомого чернокожего за просто так. Но главное раскрывается в момент истины: оказывается этот ангелоподобный полицай — плохой парень, также замешанный в грязном деле, по которому в суде должен выступить свидетель.
Вот так и никак иначе развивается киноиндустрия, плодя сюжеты по принципу «смесь бульдога с носорогом».

Почитать рецензии на «Отступников», «Близость» и «16 кварталов»

Приятно осознавать тот факт, что на нашей планете живут и творят такие титаны как Мамору Ошии.
Его знаковые картины «Призрак в доспехах» и «Призрак в доспехах 2: Невинность» открывают новую страницу в познании и освобождении человека.
Начнем с того, что уже в первом фильме автор представляет киберизацию как благо, которая позволяет расширить физические и духовные пределы человека. Главным героем «Призрака в доспехах» является женщина-полицейский Кусанаги Мотоки, по счастливой случайности пребывающая в теле киборга. Она борется со злом. Смысл этой борьбы — защита личности от надругательства и взлома внутреннего мира. Ее жизнь состоит из погонь, перестрелок и мгновенно принятых решений, от которых зависят судьбы людей. Она полностью соответствует своему предназначению и идеально воплощает собственную миссию. Но именно это ее тяготит. Очевидно, достигнутое совершенство и гармония давит на хрупкие женские плечи, заставляет искать новый путь — выход из прекрасного, но от того не менее замкнутого, внутреннего мира. И этот выход она находит в объединении с иной сущностью — не-киборгом, не-человеком, а искусственным интеллектом, который некогда самоидентифицировался в Сети. Он любит женщину-киборга и предлагает ей освободится от своей оболочки и уйти в Сеть для того, чтобы создать новую жизнь — родить ребенка, сотканного из информации, смыслов и значений. У меня лично не осталось никаких сомнений относительно того, что подобное дитя когда-либо родится, настолько сильной является магия режисера.
Второй фильм является по сути еще более продвинутым, чем первый, хотя куда уж дальше.
Однако, «Призрак в доспехах 2: Невинность» — это целостная концепция познания иного — нечеловеческого аспекта существования.
Итак, лента начинается с поэтичной картины создания совершенного существа, коим есть робот. Природа не знает такой правильности форм, чистоты цветов и непротиворечивости смыслов. Это и есть новая Невинность.
Человечество давно и навсегда утратило свою невинность, наивность, непосредственность и неискушенность. Оно больно идеей воссоздания утраченного еще с тех времен, когда впервые изобрело куклу — прообраз андроида-робота. Нездоровая фантазия руководителей некоего полукриминального синдиката воплощается в разработке новой высококонкурентной модели искусственных существ. Однако, особенности технологии их производства предполагают наличие человека, у которого насильственным путем изымается сознание. Для этих целей используют детей — девочек. Для того, чтобы защитить детей, один мафиози-гуманист придумывает систему оповещения полиции странным способом — путем внедрение в сознание роботов идеи суицида. И вот, Невинность в лице андроидов гибнет вновь по вине человека. Вокруг расследования факта самоубийств роботов разворачивается основное действие фильма. Теперь на защиту андроидов стают человек-полицейский Тонуса, киборг-полицейский Бато и искусственный интеллект, некогда бывший майором Кусанаги Мотоки. Через бесконечные миры манипулирования сознанием они вместе пробиваются к истине. А истина проста: робот не хочет быть человеком – он самодостаточен. Насилие над ним для спасения человека – это преступление перед личностью, перед личностью андроида. Мамора Ошии отказывается принимать человека в качестве единственного критерия истинности существования. Сущность робота так же важна, как и сущность человека. Для объяснения этой идеи автор использует некую философскую сентенцию о том, что нельзя чётко определить границу человеческого…
Эстетика Ошии – это тема для отдельного разговора. Но кратко: форма, цвет, композиция, степень проработки деталей образов поражает сознание смотрящего. При этом происходит сильная перегрузка восприятия и, как следствие, ключевые моменты фильма транслируются прямо в подсознание зрителя. Таким образом, он получает сильный импульс к самоэволюционированию.
Я ещё не написала о дивной музыке к фильму. Её создал Кенджи Каваи. Она чем-то сродни произведениям Бреговича – такая же непростая, многоголосная и, основанная на забытых гармониях народного лада.
После просмотра этой дилогии у меня возникло ощущение, что я открыла новую оптимистичную реальность, в котором люди, киборги и роботы имеют шанс на мирное сосуществование по законам красоты, мудрости и… невинности.

Почитать: о Мамору Ошии, о фильмах «Призрак в доспехах» и «Призрак в доспехах 2: Невинность».
Скачать стильные обои и заставку для рабочего стола можно на официальном сайте «Ghost in the Shell 2: Innocence».

Недавно, аккурат на праздник люмплен-пролетариата и прочих трудящихся, увидела в достаточно банальном фильме «Маленький Будда» Киану Ривз в роли Будды. Да, это зрелище не для слабонервных, особенно чарующая улыбка Будды, натянутая актером на лицо. Я не хочу сказать, что г-н Ривз не умеет улыбаться — напротив, но улыбка Ситхартхи получилась ну очень неправдоподобной от чего у меня возник вопрос: А достаточно ли только внешних данных и актерского мастерства для того, чтобы попробовать сыграть такую личность как Будда? Имел ли Киану моральное право отображать мудреца?
Удивительно, но после размышлений я положительно ответила на оба эти вопроса.
Да, нас никто и ничто не может ограничить в праве постижения жизни и мира другого человека. Это даже приветствуется, поскольку подобное познание закладывает основу для взаимопонимания, примирения и любви. Но можно ли познать человека после того, как он умер только по некоторым противоречивым свидетельствам из его жизни? Ответ утвердительный – можно. Но для этого прийдется преодолеть удушающую пелену стереотипов, окружающую знание о великих людях.
Хватило ли времени и способностей Киану для того, что бы преодолеть ложь в знании о Будде? По всей видимости — нет. Я согласна с Киану, когда он играет Ситхартху-кшатрия. Одухотворённые воины, готовые к поиску своего пути, всегда удавались изветному канадцу. Я согласна с Киану, когда он как Будда отыскивает срединный путь. Наверное, актеру близка эта концепция. Но когда Будда после просветления с транседентальной улыбочкой на лице начинает борьбу с богом иллюзий Марой, тогда становится ясно, что он покинул Киану в самый неподходящий для зрителя и судьбы мира момент. Вот тут-то сталкивается две реальности – та, которая создается актером и та, что существует изначально. При этом одна реальность может в буквальном смысле подменить, вытеснить иную, т.е., для данного конкретного примера, в критический момент либо Киану должет был истинно стать Ситхартхой, преодолев в роли иллюзорность отражения Будды и победить Мару, либо отец тлена, уличив обман, повергнуть Просветлённого.
Что случилось на самом деле знает только один человек – Ривз, но вряд ли он поведает эту тайну. Хотя наркотический депресняк, в коем актер пребывает часто и подолгу красноречино свидетельствует о разрушительной силе лицедейства.
После всей этой интеллектуальной акробатики открытым остается вопрос:
Так сколько в Киану от Будды, а в Будде от Киану?
Может ли отражение стать содержанием, а содержание — отражением?

Люблю я пана Роберта Родригеса. Хороший режиссёр, знаете ли. После известной дилогии «Однажды в Мексике» и «Де Сперадо» он стал знаменитым. Хочу отметить, не на пустом месте. Те, кто смотрел оба фильма, наверное, заметил насколько сильно изменился, очистился, выкристаллизовался стиль и визуалистика Родригеса. Особенно это касается колористики. Его фильмы — эти в первую очередь общение через цвет. Режиссёр таким образом создаёт мир уникальных колебаний, которые выплёскиваясь на зрителя, гармонизируют его внутренний мир по родригесовскому образцу. Но каков мир этого мексиканца? Ответ- атлантиистский, жестокий, кровавый, мрачный и одновременно оптимистичный, страстный, завораживающий.
Но вернёмся к теме заметки. «Город греха» можно назвать новым словом в современном массовом кинематографе. Эта картина не претендует на идейную глубину или крутость актёрской игры. Отнюдь. Только списанный преждевременно на голливудскую свалку Микки Рурк сыграл в полную силу.
Но всё-таки главное достоинство фильма состоит в идеальной визуализации, когда каждый кадр становится некой вершиной, объединяющей художественность и графичность, статику и динамику, красоту и уродство.
Хочу отметить также личную находку Родригеса — цветовое разнообразие в прочтении цвета крови. Вот, где открытие года! Кровь — преимущественно белая, иногда зелёная и изредка красная. Хотя я понимаю обусловленность подобного выбора. Он связан с доминированием на экране рек крови, которые при правдивом отображении могут довести впечатлительного зрителя до безумия.
В общем, приятно, что заокеанские мастера развиваются. Возможно, когда-то Родригес нас порадует чем-то идеально изысканным по форме и содержанию.

Не смотря на всю мою любовь к американскому синематографу, в последнее время меня не покидает чувство, что мы тратим деньги на эту юрунду (как говорила моя бабушка) зря.
Взять, к примеру, нашумевший блокбастер «Константин». Фильм — слабый во всех отношениях. Видеоряд — обнакновенный, мистика — посредственная, а в конце — главный герой в исполнении К. Ривза бросает курить и начинает новую жизнь с жевательной резинкой. Честное слово, постыдился, что-ли, после гениальной роли в «Матрице» браться за туфту. Но, видно, оплачивать счета нужно, поэтому и играет.
Одним словом, такая жизнь — горше принуждения.
Или, скажем, дедушка Лукас, очень не порадовал окончанием «Звездных войн».
«Месть ситхов» хороша исключительно как пособие для изучения компьютерного рендеринга.
Лучше всех, конечно, играет зелёный Йода. Он хоть и неживой, но актеров мастерски переигрывает.
Совершенно нелогичным есть превращение Энекена Скайуокера. Мальчик, которого мы видим в первом эпизоде — просто не может вырасти в большое зло. Это явная недоработка сценариста Лукаса. В общем, выдохся дедушка.
А жаль… Вспоминая свои юношеские впечатления от «Звездных войн» — серце ноет об утраченном.

Ссылка по теме: Рецензия на «ЗВ»

Но не хочу заканчивать на столь печальной ноте. Грядёт новое поколение мастеров. И о первой его ласточке в китайском кинематографе я вскоре напишу посодержательнее.

Американский кинематограф может гордиться: теперь он имеет в своём арсенале новое направление — фильмы от Клинта Иствуда. Рецепт иствудовских фильмов достаточно прост — история о простых людях, попавших в сложные обстоятельства и побеждённых жизнью. Иными словами — конец фильма обязательно трагедия. Всё перечисленное касается новой картины режиссёра «Крошка за миллион долларов». Эта душещипательная лента отобрала у меня не один миллилитр слёз (всё-таки жалко главную героиню, которую хорошо сыграла Хилари Суонк). Сам Клинт тоже неплохо вошёл в образ дедушки-тренера и, надеюсь так же хорошо из него вышел, поскольку подобная роль требует значительной самоотдачи.
В общем, понравилось всё, кроме, пожалуй, единственного — фильм задевает за живое только во время просмотра. А потом спокойно встаёшь, идёшь в ванну, смываешь слёзы и напрочь забываешь увиденное. Согласитесь — что-то в этом не так. Думаю, тоже самое произошло и с американскими киноакадемиками, которые поспешили отдать кучу Оскаров именно этой картине.
У меня закралось подозрение, что Иствуд, наконец, нашёл идеальную формулу завоевания престижной кинонаграды, не более…

Официальный сайт «Крошки»

«Авиатор» – это сага о Говарде Хьюзе, самом багатом человеке средины прошлого века. Скорсезе постарался поведать историю о жизни одного из самых ярких инноваторов своего времени. Прямо скажу – это ему плохо удалось. Во второй раз режиссёр наступил на те же грабли, пригласив на главную роль Леонардо Ди Каприо (первый раз он это сделал в «Бандах Нью-Йорка». Об этом я писала раньше).
После просмотра у меня сложилось впечатление, что фильм вымученый. Сценаристы ограничили пределы повествования 1927 – 1947 годами, достаточно звёздным и удачным периодом жизни героя. К сожалению, о последних, самих загадочных и трагических годах бытия Хьюза можно узнать разве что из скупых данных биографии. Режиссёр так и не понял и не раскрыл причину человеческой деградации Говарда. А всё, что он реально показал – это не более, чем бледная иллюстрация к «Основам психиатрии для чайников». Лично меня «Авиатор» не задел за живое, я даже не плакала, как это делаю обычно при просмотре американских блок-бастеров. К чему бы это?
Ссылки по теме:

Фильм Стивена Спилберга «Терминал» — это история о человеке, который в сложных жизненных обстоятельствах не утратил собственное достоинство, за что его полюбили и зауважали другие люди. Пересказывать здесь сюжет — не имеет смысла. При желании можно посмотреть фильм и ознакомиться с перипетиями главного героя Виктора Наворски (Том Хенкс). Я хочу акцентировать внимание на том, что показалось мне важным — на смысле.
Итак, сам терминал — это своеобразная буферная зона, место-отстойник, отделяющее физически и психологически США от другого мира. Думаю, многие политики в Штатах спят и видят подобную зону, через которую не просочится ни один потенциальный иммигрантик. Терминал — это зона отбора, где потенциальные иммигрантики проходят отбор по чисто человеческим качествам. Хороший человек — хороший потенциальный иммигрант.
Терминалу противостоит хороший Виктор Наворски, который своим поведение завоевал популярность среди работников терминала. Но, как ни удивительно, он не хочет иммигрировать в США, он хочет осуществить давнюю мечту отца взять автограф у метра джаза. Ради этого он около года терпит лишения в терминале. Джаз и автограф подаются как символы американской культуры, а приключения героя как естественное приобщение к этой самой культуре. При этом Спилберг пытается быть убедительным — действительно, если человек хороший, то ему ничего другого не надо кроме американского джаза. Интересно, насколько проигрывается в обратную сторону подобная ситуация? Например: бедный американец приезжает на Украину с одной целью взять автограф, скажем, у Богдана Ступки и актёров театра им. И. Франка и ждёт этак годик до столь счастливого момента в аэропорту Борисполь. Думается, что подобного просто не может быть. А у Спилберга — может быть.
Ещё один важный момент: директор аэропорта — типичный карьерист и формалист совершенно верно определяет состояние, в котором сейчас находится США фразой «Америка закрыта». Эта закрытость не вяжется с гегемонией США в мире. Сложно сказать, чем подобная ситуация может закончится для Америки, хотя Виктор Наворски уезжает вполне удовлетворённым. Иными словами, от собственной закрытости страдают в первую очередь США, тогда как весь остальной мир — только выигрывает.
Интересно, Америка закрыта на время или навсегда?

Ссылки по теме: Динозавр из советской Крокозии", Термостакан.